Grundlegende Richtlinien der Choreographie für Ballett

Wenn Sie sich entschließen, Ihre eigenen Balletttänze zu choreografieren, haben Sie völlige freie Meinungsäußerung für Ihre Choreographie. Und so sollte es sein. Aber Künstler aller Art haben herausgefunden, dass sie am besten gedeihen, wenn sie sich freiwillig bestimmten Beschränkungen unterwerfen. Die Serie von Ballettgesten zum Beispiel ist eine "Beschränkung", die die Fantasie der großen Ballett-Choreografen irgendwie frei macht.

Die Ideen in den folgenden Abschnitten, die aus Jahrhunderten großer Choreographie stammen, geben Ihnen einen Rahmen für Ihre Freiheit, ein Vehikel für Ihre eigene künstlerische Vision. Alle Ausdrucksformen sind gültig - aber diese Ideen können Ihnen helfen, erfolgreich zu beginnen.

Deine Inspiration finden - Musik oder Thema

Was macht einen Choreografen dazu, überhaupt einen bestimmten Tanz zu kreieren? Die meisten Choreografen sagen, dass sie normalerweise von einem von zwei Dingen inspiriert sind: der Musik oder dem Thema.

Wenn Sie ein bestimmtes Musikstück hören, werden Sie in einem ekstatischen Wirbelsturm mitgerissen? Fallen dir Farben und Formen und Bewegungen sofort auf? Bist du in Zeit und Raum verloren? Dann kennen wir einen guten Arzt, der helfen kann. Aber wenn das nicht funktioniert, klingt das Stück wie ein guter Kandidat für Choreographie.

Wenn es eine Grundregel der Choreografie gibt, dann ist es diese: Die Gesten sollten irgendwie die Musik widerspiegeln. Was die erfolgreichen Choreografen auszeichnet, ist, dass ihre Gesten die Musik wunderbar verkörpern, als ob jede musikalische Phrase nur für sie geschrieben worden wäre.

Ein Beispiel, das die meisten Menschen visualisieren können, ist der Tanz der Zuckerpflaumenfee aus Der Nussknacker . Als die Celesta anfängt, ihre knalligen Töne zu spielen, tanzt die Ballerina flinke, zarte kleine Schritte, die über die Bühne zu huschen scheinen. Obwohl verschiedene Choreografen im Laufe der Jahre verschiedene Schritte zu dieser Musik gesetzt haben, haben fast alle versucht, etwas angemessenes zu kreieren.

Vielleicht möchten Sie wissen, dass in der professionellen Welt jede einzelne Minute des Tanzes auf der Bühne das Ergebnis von ungefähr zwei Stunden Choreographie und Proben ist. Aber he, lass dich das nicht aufhalten.

Eine andere Form der Inspiration ist die Notwendigkeit, eine Geschichte zu erzählen. Geschichtenerzählen ist eine unserer ältesten Zeitvertreibe, und der Tanz hat sich zu diesem Zweck immer als nützlich erwiesen. Ruft eine bestimmte Geschichte zu dir auf, die einfach braucht, um irgendwie ausgedrückt zu werden? Warum sollte das dann nicht die Grundlage für einen Tanz werden? Wenn du eine Geschichte im Tanz erzählst, entscheide zuerst, ob du eine einfache Erzählung vom Anfang bis zum Ende oder etwas komplexeres erstellen möchtest.

Sage zum Beispiel, dass dein Thema die Geschichte von Hänsel und Gretel ist. Denken Sie nur an all die Möglichkeiten, wie Sie diese Geschichte erzählen könnten. Sie könnten sich für die lineare Annäherung entscheiden, die Hänsel und Gretel zeigt, die durch den Wald wandern, Paniermehl fallen lassen, sich verirren, auf ein Süßigkeitenhaus zufällig treffen und gemästet werden. Oder Sie könnten am Ende der Geschichte beginnen, mit den Kindern, die atemlos auf die Bühne springen, um Ihnen zu erzählen, was sie gerade erlebt haben.

Oder dein Tanz könnte sich einfach nur auf einen Charakter in einer Geschichte konzentrieren. Wie fühlt sich die böse Hexe, wenn die Kinder sie lebendig backen? Vielleicht könnte sie einen interpretativen Tanz machen, um uns wissen zu lassen. Dieser Ausdruck von einem Augenblick in der Zeit, ausgeschoben, um das emotionale Gewicht zu zeigen, das es enthält, ist die Grundlage für 99 Prozent aller Gedichte, Opernarien und Volkslieder - und es funktioniert auch für den Tanz.

Wissen, wie die Choreografie aussehen soll

Große Choreografen sprechen fast immer über ihre "Vision" ihrer Arbeit. Choreografen sind stolz auf ihre Visionen und werden Ihnen von ihnen erzählen, bis Sie sie bitten, aufzuhören.

Im wahrsten Sinne des Wortes kreieren Choreografen ein Bild des Tanzes in ihren Gedanken, bevor sie das Wesentliche der Choreografie anpacken. Ob sie sich die eigentlichen Schritte zuerst vorstellen oder nicht, sie können sich den gesamten "Look" des Stücks vorstellen. Von dort aus können sie beginnen, die Schritte auszuwählen, die am besten zu dieser Vision passen.

Die Vision kann Kostüme, Bühnenbilder und Beleuchtungsdesigns umfassen - obwohl in der Fachwelt spezielle Designer engagiert werden, um die Details dieses Teils der Vision auszufüllen.

Auf der Grundlage dieser inneren Vision schreiben Choreographen ihre Ideen mit

Tanznotation auf - oder tanzen sie einfach selbst auf Videoband. Ein Vokabular für den Tanz entwickeln

Der gleiche Grundschritt kann auf viele verschiedene Arten getanzt werden. Wenn Sie also ein Stück choreografieren, haben Sie fast unendlich viele Schritte zur Auswahl. Das

Vokabular des Tanzes bezieht sich auf die besonderen Gesten und Bewegungen, die Sie wählen verwenden - diejenigen, die Ihren eigenen Charakter zu reflektieren scheinen und Ihren persönlichen Stil ausmachen. Die Reihenfolge, in der Sie die Schritte eingeben, ist ebenfalls wichtig. Die Schritte sollten von einem zum nächsten fließen. Zum Beispiel sieht eine

Arabeske gut aus, wenn sie von einem Failli gefolgt wird. Aber es sieht schlecht aus, gefolgt von einem Backflip. Du fühlst einfach diese Dinge. Nachdem Sie begonnen haben, mit verschiedenen Sequenzen zu experimentieren, werden Sie wahrscheinlich einige finden, die sich für Sie richtig anfühlen. Wenn das passiert, können Sie diese Sequenzen immer wieder wiederholen - und so ein Vokabular schaffen, das Sie selbst nennen können. George Balanchine zum Beispiel war berühmt dafür, einem

sauté in Arabeske mit einem jeté zu folgen. Das war sein Markenzeichen - so wie sich Bob Fosse mit Bowler-Hüten und umgedrehten Beinen (auch Taube-Zehen genannt - Cabaret ) einen Namen machte. Verwenden des gesamten Tanzbereichs

Eine weitere nützliche Regel für die Choreografie Ihrer eigenen Arbeit: Nutzen Sie den vollen verfügbaren Platz.Bis zum Ende des Tanzes sollte jeder Bereich der Bühne mindestens einmal betreten worden sein.

Sie sollten sogar in Erwägung ziehen, nicht-traditionelle Bereiche zu nutzen - wo Sie nie an Tanzen denken würden. Treppen, Flure, Geländer und andere Bodenbeläge kommen mir in den Sinn. (Oder Pfützen - wie Gene Kelly in

Singin 'im Regen entdeckte.) Das Unerwartete ist oft der Ort, an dem die meiste Inspiration liegt. Wenn Sie Ihren Raum abdecken, schlagen wir vor, die Form Ihres Tanzes zu variieren. Wenn Sie mit einer Bewegung auf einer Diagonale beginnen; Versuchen Sie später, ein kreisförmiges Muster hinzuzufügen. Oder umgekehrt. Dehnen Sie Ihre Fantasie aus - und halten Sie Ihr Publikum auf Trab.

Den Tanz beenden, wie Sie begonnen haben

Ein Weg, einen Tanz künstlerisch ganzheitlich zu machen, ist, "den Kreis zu schließen. "Und ein Weg, dies zu erreichen, ist, den Tanz mit der gleichen Pose zu beginnen und zu beenden.

Eine noch weiter fortgeschrittene Version dieser Technik endet in einer leicht "weiterentwickelten" Version der Startposition. Zum Beispiel, wenn der Tanz ein Duett ist, erwägen Sie, die Teile am Ende zu wechseln, so dass die Frau am Anfang des Mannes endet und umgekehrt.

Diese Technik verleiht dem Tanz ein Gefühl der Vollendung und kann manchmal sehr ergreifend und bewegend sein. Wer weiß, vielleicht haben Sie Ihr Publikum in Tränen aufgelöst. Im richtigen Sinne.

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